Αφηρημένη τέχνη και ιστορία, χαρακτηριστικά, ζωγραφική και άλλα

Το αφηρημένη τέχνη όλα αυτά είναι η καλλιτεχνική έκφραση που αποσπάται από κάθε πραγματική εκπροσώπηση, με σκοπό να δημιουργήσει ένα χώρο εντελώς διαφορετικό από το φυσικό. Αυτή η αίσθηση της αφαίρεσης επιτυγχάνεται με τη χρήση διαφορετικών γεωμετρικών σχημάτων, καθώς και με σημεία, γραμμές και καθαρά χρώματα.

Ο αφηρητισμός ως καλλιτεχνικό ρεύμα είναι επίσης γνωστός ως μη-εικονιστική τέχνη. Αυτό σημαίνει ότι αυτό το ύφος δεν έχει σημείο επαφής με αντιπροσωπευτική παραδοσιακή τέχνη. Παρόλα αυτά, αυτή η απόσταση με την πραγματικότητα δεν συνεπάγεται άρνηση αυτού, αλλά προτείνει μια αντίθεση ή μια αντίθεση.

Σύμφωνα με τους γνώστες, για να κατανοήσουμε την αφηρημένη τέχνη είναι απαραίτητο να γνωρίζουμε πώς να διακρίνουμε μεταξύ της μορφής και της αφαίρεσης, αφού είναι εντελώς αντίθετες έννοιες. Για το λόγο αυτό, όταν εξομοιώνονται αυτές οι καλλιτεχνικές αντιλήψεις, είναι εύκολο να γίνει διάκριση μεταξύ μιας αφηρημένης εργασίας και μιας εικαστικής εργασίας.

Ευρετήριο

• 1 Αφαίρεση και σχηματισμός
  • 1.1 Απόσταση με τον εικονιστικό κόσμο
• 2 Προέλευση και ιστορία
  • 2.1 Επίδραση του κυβισμού, του εξπρεσιονισμού και του φουβισμού
  • 2.2 Από το Baudelaire στο Mallarmé: επιχειρήστε να απομακρύνετε το σημείο αναφοράς
  • 2.3 Μουσικές ακουαρέλες του Claude Debussy
• 3 Χαρακτηριστικά της αφηρημένης τέχνης
  • 3.1 Επιδιώκει να συλλάβει την ουσία
  • 3.2 Ελευθερία
  • 3.3 Απουσία πραγματικών μορφών
• 4 Ζωγραφική
  • 4.1 -Vasili Kandinsky
  • 4.2 Η πρώτη αφηρημένη ακουαρέλα
  • 4.3 -Piet Mondrian
• 5 Γλυπτική
  • 5.1 -Η Henry Moore
  • 5.2 -Richard Serra
• 6 Αρχιτεκτονική
  • 6.1 -Mies van der Rohe
  • 6.2 -Γερρίτ Ριγιέλντ
• 7 Μουσική
  • 7.1 - Ιγκόρ Στραβίνσκι
  • 7.2 -Maurice Ravel
• 8 Αναφορές

Αφαίρεση και σχηματισμός

Το φαινόμενο της αφαίρεσης εκδηλώνεται όταν δεν είναι δυνατόν να συσχετιστεί το δημιουργημένο στοιχείο με οποιοδήποτε υπάρχον στοιχείο στην πραγματικότητα.

Για παράδειγμα, εάν ληφθεί η εικόνα ενός δέντρου και είναι θολή ή τροποποιημένη, αυτό το καλλιτεχνικό παιχνίδι δεν μπορεί να θεωρηθεί αφαίρεση, αφού η εικόνα διατηρεί την ουσία του αρχικού σχήματος. δηλαδή, εξακολουθεί να είναι εικονιστική.

Από την άλλη πλευρά, οι εικόνες που δεν έχουν καμία πραγματική αναφορά μπορούν να θεωρηθούν ως αφαίρεση. Στον τομέα της αφηρημένης τέχνης υπάρχουν διάφορες πτυχές, όπως γεωμετρική αφαίρεση, φορμαλισμός και εξπρεσιονιστική αφαίρεση. Ωστόσο, όλα σχετίζονται με την απουσία της πραγματικής αναφοράς.

Τα στοιχεία αυτά σχετίζονται με τα όνειρα δεν μπορεί να θεωρηθεί ως μια αφαίρεση, διότι, αν και σε όνειρα και εφιάλτες μπορεί να αυξήσει σουρεαλιστικό εικόνες (για παράδειγμα, ένας μονόκερος), εξακολουθεί να διατηρεί τις αναφορές που μπορούν να βρεθούν στην πραγματικότητα (στην περίπτωση μονόκερος, είναι ένα άλογο με ένα κέρατο).

Διασπορά με τον εικονιστικό κόσμο

Αφαιρετισμού άλλαξε ριζικά τον κόσμο της τέχνης, γιατί πριν από αυτό τέχνη εκδήλωση είχε παραμείνει κάτω από την κηδεμονία του αναπαράσταση, ακόμη και αν κατά τη διάρκεια του δέκατου ένατου και εικοστού αιώνα η μορφή είχε αρχίσει να ξεθωριάζει από άλλα κινήματα, όπως ο ιμπρεσιονισμός , μετα-ιμπρεσιονισμό και τον κυβισμό.

Από την εποχή που ο άνθρωπος ζωγραφίστηκε σε σπήλαια, η τέχνη παρέμεινε μια αναζήτηση για να αντιπροσωπεύει την πραγματικότητα.

Μέχρι τον εικοστό αιώνα, ο καλλιτέχνης δεν μπόρεσε να διαχωριστεί από το περιβάλλον και το περιβάλλον του, έτσι ώστε η αφηρημένη τέχνη να επιτρέψει ένα άνοιγμα στο ιστορικό μιας ιστορικής στιγμής που φιλοδοξούσε σε μεγάλες κοινωνικές αλλαγές και αισθητική ανανέωση.

Η αφαίρεση μπορεί να συσχετιστεί με τη μουσική, καθώς οι ήχοι δεν μπορούν να είναι εικονιστικοί (παρά τη μουσική ονοματολογία). Τα χρώματα και τα σχήματα είναι επίσης αφηρημένα, δεδομένου ότι προσφέρουν ένα ευρύ φάσμα δυνατοτήτων που δεν πρέπει απαραιτήτως να έχουν έναν πραγματικό αποστολέα.

Προέλευση και ιστορία

Η αφηρημένη τέχνη έχει τις ρίζες της σε προηγούμενες κινήσεις όπως ο κυβισμός και ο φωτισμός. Ωστόσο, υπάρχει ένας ιδιαίτερος πίνακας που χρησίμευσε ως σημείο εκκίνησης για τον διαχωρισμό μεταξύ της αναπαράστασης των πραγματικών αντικειμένων και της οπτικής αντίληψης των χρωμάτων.

Το έργο αυτό ανήκει στον ζωγράφο James McNeill Whistler και έχει τίτλο Νυκτερινή σε μαύρο και χρυσό: ο πτώση πύραυλο. Σε αυτή τη ζωγραφική του 1874 μπορείτε να δείτε μια σειρά από σκούρα χρώματα και είναι δύσκολο να βρείτε απευθείας ανθρώπινες μορφές ή αρχιτεκτονικές κατασκευές.

Αυτό που εκτιμάται εύκολα είναι οι βούρτσες του φωτός και της σκιάς, εκτός από τις χρυσές κουκίδες που φαίνεται να προκαλούν μια έκθεση πυροτεχνημάτων.

Επίδραση του κυβισμού, του εξπρεσιονισμού και του φουβισμού

Με την εμφάνιση των έργων του Pablo Picasso και του Georges Braque, επιτράπηκε έντονη είσοδος στα γεωμετρικά σχήματα και στα επίπεδα χρώματα. Παρομοίως, ο Paul Cézanne αποτολμήθηκε επίσης στις απαρχές του για τη δημιουργία μιας εναλλασσόμενης πραγματικότητας. δηλαδή, εργάστηκε σε μια ανακατασκευή του εικονιστικού.

Με τη σειρά τους, οι εξπρεσιονιστές καλλιτέχνες ήταν υπεύθυνοι για την εκμετάλλευση - ακόμα και με γοητευτικό τρόπο - της έντασης της χρωματικής παλέτας και των μορφών. Οι πίνακές του θεωρούνται από τους κριτικούς ως υπερχείλιση των παθών, οι οποίες εκδηλώθηκαν με αντιδραστικό τρόπο πριν από μια εποχή μεγάλης κοινωνικής απογοήτευσης.

Με τον ίδιο τρόπο, ένα έργο όπως Η κραυγή του Edward Munch είναι θεμελιώδης για την ανάπτυξη αυτού που αργότερα ήταν η αφηρημένη ή μη εικονιστική τέχνη του εικοστού αιώνα. Λαμβάνεται επίσης υπόψη ο πίνακας με τίτλο Η είσοδος του Χριστού στις Βρυξέλλες, από τον James Ensor.

Άλλες μεγάλες εκθέτες avant-garde, όπως ήταν ο Paul Gauguin, Henri Matisse και Ζορζ Σερά, θεωρούνται βασικά έμπνευση για οποίος αργότερα ήταν ο μεγαλύτερος εκπρόσωπος της αφαιρετισμού, Βασίλη Καντίνσκι.

Αυτό οφείλεται στο γεγονός ότι η γλώσσα του ακατέργαστου χρώματος, σε συνδυασμό με τις διαφορετικές κινήσεις της βούρτσας, επηρέασε έντονα τον πρωτοπόρο πρωτοπόρο.

Από το Baudelaire στο Mallarmé: επιχειρήστε να απομακρύνετε την αναφορά

Στον κόσμο της γραφής αναπτύσσονταν επίσης διαφορετικά κινήματα που είχαν ως σκοπό να σπάσουν με το καθιερωμένο και να τελειώνουν με όλα τα πραγματικά στοιχεία. Στον τομέα των επιστολών ο διαχωρισμός αυτός ήταν λίγο πιο δύσκολος, αφού στο ανθρώπινο μυαλό οι λέξεις θα προσπαθήσουν πάντα να αποφύγουν την αναφορά τους.

Ωστόσο, αυτοί οι ποιητές πέτυχαν τη σχέση με την εσωτερικότητα της φόρμας μέσω της ακουστικής εικόνας της λέξης, απομονώνοντάς την από την έννοια στην οποία αναφέρεται.

Ο μεγάλος ποιητής Σαρλ Μπωντλαίρ νεωτερικότητας ήταν υπεύθυνος για τη φύτευση των σπόρων της ιδέας ότι κάθε τρόπο που αντιδρούν σε ορισμένα καλλιτεχνικά ερεθίσματα, όπως αυτές συνδέονται με μια βαθιά αισθητική που βρίσκεται μέσα στο ανθρώπινο υποσυνείδητο.

Με άλλα λόγια, όλες οι τέχνες έχουν την ικανότητα να ξυπνούν ορισμένες αισθήσεις στο μάτι, στο αυτί και στο μυαλό του αντιληπτή, χωρίς να χρειάζεται να απαντήσουμε σε ένα πραγματικό κριτήριο.

Ομοίως, τα φημισμένα γαλλικά ποιητές Στεφάν Μαλαρμέ, Arthur Rimbaud και Guillaume Apollinaire προσπάθησε να αποστασιοποιηθεί αναφορών τρόπος για να επικεντρωθεί στην απόλαυση του ήχου των λέξεων και τι μπορεί να προκαλέσει στον αναγνώστη, χωρίς να χρειάζεται να αναφερθώ σε ένα έννοια.

Αυτό σημαίνει ότι πρόκειται για τροποποίηση της νοητικής δομής του αναγνώστη, ώστε αυτός να απομακρυνθεί από τις καθιερωμένες παραμέτρους και να τολμά να συνδυάσει και να δημιουργήσει διαφορετικές αισθήσεις μέσα από την ηχηρότητα των συλλαβών. Επομένως, είναι μια αφαίρεση μέσα στο γράψιμο.

Οι μουσικές ακουαρέλες του Claude Debussy

Ως μουσικός πρόγονος της τελευταίας αφηρημένης τέχνης είναι ο σπουδαίος συνθέτης Claude Debussy, του οποίου τα μουσικά κομμάτια έμοιαζαν να μιμούνται τις πινελιές των ιμπρεσιονιστών και μετα-ιμπρεσιονιστών ζωγράφων.

Κατά τον ίδιο τρόπο, ο συνθέτης αυτός συσχετίζεται επίσης με το συμβολιστικό κίνημα, αφού οι σημειώσεις του αποτελούσαν ένα ισχυρό αλληγορικό φορτίο, συνοδευόμενο από μια αξιοσημείωτη ανατολική επιρροή.

Αυτό σημαίνει ότι για τους μουσικούς όπως Debussy και Erik Satie, τα αντικείμενα που παρατηρούνται στην καθημερινή ζωή είναι απλά σύμβολα που αντικατοπτρίζουν μια πολύ βαθύτερη πραγματικότητα, η οποία εκδηλώνεται το ανθρώπινο ον μέσω του ήχου που συνοδεύεται από το χρώμα και την κίνηση.

Χαρακτηριστικά της αφηρημένης τέχνης

Επιδιώκει να συλλάβει την ουσία

Αν και έχει διαφορετικές απόψεις, το αφηρημένο κίνημα χαρακτηρίζεται κυρίως από την αναζήτηση της πρωτόγονης ουσίας των αντικειμένων.

Επομένως, η αφηρημένη τέχνη προσπαθεί να συλλάβει στις καλλιτεχνικές της εκδηλώσεις την εξερεύνηση της συνείδησης και της απώλειας των αισθήσεων στα καθαρότερα επίπεδα.

Ελευθερία

Ένα άλλο από τα βασικά χαρακτηριστικά του είναι η ελευθερία εφαρμογής τεχνικών και στοιχείων και η σημασία αυτών των πόρων.

Για παράδειγμα, αυτό ισχύει σαφώς στο χρωματικό πεδίο: τα χρώματα έχουν τη δική τους καλλιτεχνική έκφραση, χωρίς να χρειάζεται να αναφερθούν σε μια πραγματική αντίληψη.

Απουσία πραγματικών μορφών

Ο αφηρητισμός στερείται πραγματικών μορφών. χρησιμοποιούνται μόνο γεωμετρικά σχήματα, καθώς είναι ένα στυλ που προσελκύει μια συνολική απλότητα της μορφής.

Βαφή

-Βασίλει Κάντινσκυ

Για πολλούς κριτικούς, η αφηρημένη τέχνη ξεκινά με τα έργα του Βασίλη Καντινσκυ. Ωστόσο, πρέπει να σημειωθεί ότι το έτος 1910 γαλλικά μαρμάρινα μάρμαρα έγιναν φημισμένα, τα οποία μπορούν να θεωρηθούν ως η αρχή της αφαίρεσης.

Ωστόσο, σύμφωνα με τους ειδικούς, η σημασία του Kandinsky στην ιστορία της τέχνης είναι αναμφισβήτητη. Αυτός ο ζωγράφος είχε μια κληρονομιά του ανατολικού αίματος, το οποίο χρησιμοποίησε ως έμπνευση για τα έργα του.

Επιπλέον, ο ίδιος καλλιτέχνης παραδέχθηκε ότι εμπνεύστηκε από τους μυθικούς καθεδρικούς ναούς της Μόσχας. Σύμφωνα με τον ίδιο, η πολύχρωμη αρχιτεκτονική της πόλης αποτελούταν από καλλιτεχνικές συγκρούσεις στην εξωτερική εμφάνιση, που αντανακλούσαν μια αρμονική αισθητική και πολιτιστική εσωτερικότητα.

Κατά τη διάρκεια του καλλιτεχνικού του έργου, ο Kandinsky υποστήριξε την αναζήτηση της πρωταρχικής ουσίας της μορφής. Για το λόγο αυτό, το έργο του μπορεί να συνοψιστεί σε τρεις λέξεις: χρώμα, αντίληψη και αίσθηση.

Επομένως, μπορεί να αποδειχθεί ότι η αφηρημένη τέχνη είναι μια παραχώρηση που προϋποθέτει μια μυστικιστική συνθήκη του απόλυτου. δηλαδή, στοιχηματίζει για μια συνεχή ιδεολογική και φιλοσοφική εξέλιξη.

Η πρώτη αφηρημένη ακουαρέλα

Για να επιτευχθεί η αισθητική ολότητα αυτών των τριών υποθέσεων, ο συγγραφέας προώθησε τη χρήση βασικών πλαστικών στοιχείων, όπως το σημείο - πρωτεύον στοιχείο στο εικονογραφικό έργο - η γραμμή, το επίπεδο και το χρώμα.

Μέσω των συσχετισμών και των δεσμών μεταξύ αυτών των στοιχείων, έλαβα νέες και διαφορετικές αντιλήψεις ή αισθήσεις για το ανθρώπινο μάτι.

Λαμβάνοντας αυτό υπόψη, μπορεί να ειπωθεί ότι η αφηρημένη τέχνη γεννήθηκε το έτος 1910 με την πρώτη Αφηρημένη ακουαρέλα του Καντίνσκι. Σε αυτή τη ζωγραφική μπορείτε να δείτε χρωματιστά σχήματα, γραμμές και πλαστικές αξίες χωρίς συσχετισμό με την πραγματικότητα. δηλαδή, είναι έργο που αποτελείται από μη εικονιστικά στοιχεία.

Επιπλέον, αν ο θεατής παρατηρήσει με προσοχή αυτό το έργο, μπορεί να αντιληφθείτε ότι η ζωγραφική αποτελείται κυρίως από πρωτογενή και δευτερεύοντα χρώματα, επισημαίνοντας κυρίως τα μπλε και κόκκινα χρώματα. Επίσης, υπογραμμίζουν μερικές χτυπήματα γκριζωτών τόνων, γεγονός που προκαλεί αντίθεση με τη ζωντάνια των άλλων χρωμάτων.

-Piet Mondrian

Αυτός ο γνωστός ολλανδός ζωγράφος δεν ειδικεύτηκε στις απαρχές του στον αφηρητισμό, αλλά πρώτα δούλεψε με άλλα στυλ όπως ο νατουραλισμός και ο συμβολισμός. Παρά την πληθώρα των μορφών, οι πλαστικές του τέχνες παρέμειναν επηρεασμένες από τις φιλοσοφικές και πνευματικές του σπουδές.

Στην αναζήτηση για να βρει την ζωτική ουσία των πραγμάτων, ο Mondrian έπαιξε με ένα συγκεκριμένο τρόπο με γεωμετρική αφαίρεση για να βρει τη βασική δομή του σύμπαντος στους πίνακές του.

Για το λόγο αυτό, τα έργα του χαρακτηρίζονται κυρίως από το λευκό χρώμα - το οποίο θεωρείται "μηχρωματικό" λόγω της ολικής παρουσίας του φωτός και όλων των χρωμάτων - και από το μαύρο χρώμα, που θεωρείται επίσης "μηχρωματικό". χρώμα "λόγω της ολικής απουσίας φωτός και της παρουσίας όλων των χρωμάτων.

Ένα από τα πιο διάσημα έργα του, που επίσης συνδέεται με την αφηρημένη αρχιτεκτονική, είναι ο τίτλος της ζωγραφικής Σύνθεση σε κόκκινο, κίτρινο, μπλε και μαύρο, που έκανε το έτος 1921.

Σε αυτό μπορείτε να δείτε μια σειρά από ορθογώνια στοιχεία με διαφορετικά μεγέθη και χρώματα. Ωστόσο, η παλέτα είναι αρκετά βασική και πρωταρχική: όπως υποδηλώνει το όνομα, είναι τα χρώματα κόκκινο, κίτρινο, μπλε και μαύρο, τα οποία μπορεί να υπενθυμίζουν τους πίνακες του εξπρεσιονιστή Mark Rothko.

Γλυπτική

Το γλυπτό δεν έμεινε πίσω στο αφηρημένο κίνημα. στην πραγματικότητα, εισήγαγε μια καινοτομία μέσα στο στυλ: τρισδιάστατο. Αυτό συνέβη επειδή στο εσωτερικό της αφηρημένης ζωγραφικής οι φιγούρες φαίνονται πάντα επίπεδες, ενώ στο γλυπτό προωθείται το βάθος της φόρμας.

-Χένρι Μουρ

Ένας από τους κύριους εκθέτες του ήταν ο Βρετανός γλύπτης Henry Moore, του οποίου οι μονοχρωματικές φιγούρες φαίνεται να έχουν κίνηση και να διατηρούν μια ελαφριά ρομαντική και βικτοριανή έμπνευση, σύμφωνα με τον ίδιο τον καλλιτέχνη..

Ο Moore παραδέχθηκε επίσης ότι έχει επιρροές από μεγάλους αναγεννησιακούς καλλιτέχνες όπως ο Giotto, ο Michelangelo και ο Giovanni Pisano. Επιπλέον, ο συγγραφέας ήταν έκπληκτος από τα σχήματα των προ-Κολομβιανών γλυπτών Toltec και Μάγια.

Οι πολυάριθμες αφηρημένες μορφές του ήταν σκαλισμένες κυρίως από μάρμαρο και χαλκό. Στην αρχή της καριέρας του, ο Moore εφάρμοσε την άμεση ξυλογλυπτική. Ωστόσο, κατά τη διάρκεια της δεκαετίας του 1940 ο γλύπτης αποφάσισε να ξεκινήσει με γύψινο γύψο ή πηλό, εφαρμόζοντας επίσης το παραδοσιακό και παλιό cast "χαμένο κερί".

Κύματα

Τα γλυπτά του έχουν ως κύριο χαρακτηριστικό τη χρήση μορφών με κυματισμό και άδειους χώρους, έμπνευση που, σύμφωνα με τους επικριτές, απέκτησε τα τοπία του Αγγλικού κομητείας Yorkshire, η γη του.

Παρά το γεγονός ότι η αφηρημένη ζωγραφική υποστηρίζει την εξάλειψη του εικονιστικού, στα έργα του Χένρι Μουρ μπορούμε να αντιλαμβανόμαστε τις αφαίρεσεις που δεν αποσυνδέονται από την ανθρώπινη μορφή. Μπορείτε να διακρίνετε ακόμη και την αναπαράσταση του γυναικείου σώματος και των μητέρων.

Ένα από τα πιο γνωστά έργα του Moore είναι το λεγόμενο Τρία κομμάτι αριθ. 2, το οποίο βρίσκεται στο Toronto City Hall Plaza και κατασκευάστηκε το 1964.

Αυτό το μονόχρωμο γλυπτό κομμάτι είναι ένα από εκείνα που ταιριάζει καλύτερα στις αρχές της αφαίρεσης, αφού το σχήμα του δεν μπορεί να συνδεθεί άμεσα με οποιαδήποτε πραγματική αναφορά.

-Ρίτσαρντ Σέρρα

Ένας άλλος μεγάλος εκθέτης της αφηρημένης γλυπτικής είναι ο γνωστός πλαστικός καλλιτέχνης Richard Serra, Αμερικανικής υπηκοότητας. Αυτός ο καλλιτέχνης, ο οποίος εξακολουθεί να ζει, θεωρείται από τους κριτικούς ως ένας από τους καλύτερους γλύπτες της εποχής μας.

Η Serra είναι ένας μινιμαλιστικός γλύπτης που προτιμά να δουλεύει με τεράστια κομμάτια από χαλύβδινη πλατίνα, γεγονός που καθιστά το αισθητικό του έργο πιο αξιοθαύμαστο.

Το πρώτο στάδιο του καλλιτέχνη είναι εκείνο που αντιστοιχεί καλύτερα με τα αφηρημένα ιδεώδη, για τα οποία χρησιμοποίησε ως επί το πλείστον υλικό τετηγμένου μολύβδου.

Χαλυβουργεία

Είναι επίσης γνωστό για την κατασκευή μεγάλων ορθογώνιων μεταλλικών κατασκευών. Ένα από τα πιο διάσημα είναι η κλήση Τεντωμένο Τόξο, Έχει ύψος 3,5 μέτρα και έχει υποβλητική και λεπτή καμπυλότητα. Αυτό το γλυπτό μπορεί να δει σήμερα στο Federal Plaza της Νέας Υόρκης.

Ένα άλλο αφηρημένο γλυπτό που είναι πολύ γνωστό από τους καλλιτεχνικούς κριτικούς είναι αυτό που είναι γνωστό ως Φίδι, που αποτελείται από τρία χαλύβδινα στρώματα που επίσης απολαμβάνουν καμπυλότητα (οι καμπύλες μέσα στα γεωμετρικά σχήματα είναι τα πιο αντιπροσωπευτικά χαρακτηριστικά αυτού του καλλιτέχνη). Το έργο βρίσκεται στο Μουσείο Guggenheim του Μπιλμπάο.

Ένα από τα πιο αναγνωρισμένα και καλύτερα έργα του Serra είναι η κλήση Το θέμα του χρόνου, που αποτελείται από επτά αξιόλογα γλυπτά μεγάλου μεγέθους, φτιαγμένα από το αγαπημένο υλικό του καλλιτέχνη: ατσάλι.

Αυτά τα στοιχεία αποτελούνται εξ ολοκλήρου από στρογγυλά και λοξά σχήματα, που θυμίζουν τις μορφές φύσης και τον στρογγυλό και παραπλανητικό χαρακτήρα του χρόνου ως ανθρώπινης κατασκευής.

Αρχιτεκτονική

Κατά τον εικοστό αιώνα, η αναζήτηση της ουσίας και των πρωτόγονων μορφών εκδηλώθηκε επίσης μέσα στην αρχιτεκτονική πειθαρχία. Για το λόγο αυτό, στην αφηρημένη αρχιτεκτονική κυριαρχούν οι γεωμετρικές και επίπεδες μορφές, οι οποίες λαμβάνονται επίσης σε μινιμαλιστικό ύφος.

Ταυτόχρονα, η αρχιτεκτονική που ανήκει σε αυτό το αισθητικό στυλ προσπαθεί να προσεγγίσει την πραγματική αξία της μορφής, χωρίζοντάς την από το χάος και την αυθαίρετη πραγματικότητα της καθημερινής ζωής. Μέσα στα στοιχεία αυτά, το αρχιτεκτονικό κομμάτι είναι εμπνευσμένο από τη φύση, αλλά γίνεται όλο και πιο εμφανές στην αναζήτηση της απλότητας του καλλιτεχνικού πνεύματος.

Στην αρχιτεκτονική είναι απαραίτητο να προσαρμόσουμε τις αρχές της εικονογραφικής αφαίρεσης αφού, όπως και η γλυπτική, απαιτεί μια τρισδιάστατη υλοποίηση της μορφής. Επιπλέον, πριν από την εκτέλεση της υποδομής, είναι απαραίτητο για τον καλλιτέχνη να αμφισβητήσει εάν η μορφή που επιθυμεί να παράγει μπορεί να πραγματοποιηθεί στην συγκεκριμένη πραγματικότητα.

Γενικά, η αφηρημένη αρχιτεκτονική αποτελείται από μεγάλα ορθογώνια παράθυρα, απλά και συμπαγή τετράγωνα σχήματα.  

-Mies van der Rohe

Ένας από τους πιο γνωστούς αφηρημένους αρχιτέκτονες είναι ο Γερμανός-Αμερικανός Mies van der Rohe, ο οποίος κατέλαβε την ιστορία ως ένας από τους σημαντικότερους καλλιτέχνες της σύγχρονης αρχιτεκτονικής. Ήταν διευθυντής του αξιοσημείωτου γερμανικού σχολείου Bauhaus. Ωστόσο, έπρεπε να εγκαταλείψει το αξίωμα λόγω της εισόδου του ναζισμού.

Η αρχιτεκτονική της αναγνωρίζεται για την απλότητα και τη σαφήνεια της, χαρακτηριστικά πολύ χαρακτηριστικά της αφαίρεσης. Επιπλέον, ο καλλιτέχνης προτιμούσε τα υλικά ήταν βιομηχανικός χάλυβας και αξιοσημείωτα γυάλινα φύλλα, τα οποία χρησιμοποίησε για το εσωτερικό της πρόσοψης.

Ένα από τα πιο διάσημα έργα του είναι στη Βαρκελώνη και ονομάστηκε μετά από αυτόν Γερμανικό περίπτερο, κορυφώθηκε το έτος 1929. Η αρχιτεκτονική του αποτελείται από απλές γεωμετρικές μορφές και εφιστά την προσοχή για το μέτριο μέγεθος του. Αποτελείται από ένα ελεύθερο φυτό και διατηρεί αξιόλογες επιρροές του νεοπλασματισμού.

-Ο Gerrit Rietveld

Ο Gerrit Rietveld ήταν ένας γνωστός πλαστικός καλλιτέχνης που κατείχε διαφορετικές όψεις, αφού ξεχώριζε όχι μόνο στην αρχιτεκτονική, αλλά και στην ξυλουργική και το σχεδιασμό. Το εργαλείο σας σχεδιάζει, όπως το Κόκκινη και μπλε καρέκλα του 1918, υποδηλώνουν τον σύγχρονο και γεωμετρικό χαρακτήρα ως στοιχείο της εποχής.

Το πιο διάσημο αρχιτεκτονικό του έργο και το πιο παρόμοιο με την αφηρημένη αισθητική είναι το λεγόμενο Rietveld Schröder House, που χτίστηκε το έτος 1924. Σήμερα, ο χώρος αυτός χρησιμοποιείται ως μουσείο.

Όσον αφορά τα χαρακτηριστικά του, τόσο το εσωτερικό όσο και το εξωτερικό του σπιτιού υποδηλώνουν μια αλλαγή με όλες τις προηγούμενες αρχιτεκτονικές παραμέτρους. εξ ου και η σημασία του έργου.

Δεν υπάρχουν δωμάτια μέσα στο σπίτι, υπάρχει μόνο ένας ευρέως ανοικτός χώρος. Η πρόσοψη του εξωτερικού αποτελείται από γραμμές και αεροπλάνα, απομακρυσμένες και χρωματισμένες με σκοπό να δημιουργήσουν κάτι διαφορετικό.

Μουσική

Όπως αναφέρεται στις πρώτες παραγράφους, είναι σημαντικό να θυμόμαστε ότι η ίδια η μουσική είναι αφηρημένη, αφού δεν μπορεί να είναι εικονιστική, παρόλο που έχει συμβολική ονοματολογία για βαθμολογίες.

Επομένως, η αφηρημένη μουσική δεν μπορεί να υπάρξει ως καλλιτεχνικό κίνημα. Ωστόσο, υπάρχει ένα στυλ μουσικής γνωστό ως απόλυτη μουσική, η οποία αποτελείται από εκείνα τα μουσικά έργα που δεν έχουν επιπλέον μουσική προσθήκη? δηλαδή, δεν συνδέονται με κανένα κείμενο.

Με άλλα λόγια, η απόλυτη μουσική δεν έχει ποίηση και στίχους, είναι μια απλή οργανική σύνθεση. Ως εκ τούτου, μπορεί να θεωρηθεί ότι όλη η μουσική που λείπει από το λυρικό ανήκει σε αυτό το είδος. Μερικά παραδείγματα μπορούν να βρεθούν σε σονάτες, σε συμφωνίες ή σε συναυλία.

Κατά τον εικοστό αιώνα υπήρχαν αρκετοί συνθέτες που ξεχώρισαν για τις μουσικές τους καλλιτεχνικές καινοτομίες και αυτό συνέπεσε με τις αρχές του αφαιρετισμού. Μεταξύ των πιο σημαντικών είναι ο Igor Stravinsky και ο Maurice Ravel.

-Ιγκόρ Στραβίνσκι

Ο Στραβίνσκυ ήταν ορχήστρας και συνθέτης ρωσικής εθνικότητας, ο οποίος θεωρείται ένας από τους καλύτερους μουσικούς του 20ού αιώνα. Καθώς ζούσε μέχρι που ήταν 89 ετών, είχε την ευκαιρία να εξερευνήσει διαφορετικές μουσικές απόψεις. Ωστόσο, τα πιο αναγνωρισμένα έργα του ήταν αυτά που επεξεργάστηκαν κατά τα πρώτα χρόνια καλλιτεχνικής του σταδιοδρομίας.

Μία από τις πιο γνωστές συνθέσεις του είναι η κλήση Το πυροβόλο, ένα μπαλέτο που έκανε πρεμιέρα για πρώτη φορά το έτος 1910 στο Παρίσι.

-Μωρίς Ράβελ

Όπως και ο Claude Debussy, αυτός ο φημισμένος γάλλος συνθέτης ξεχώρισε στη λεγόμενη ιμπρεσιονιστική μουσική, η οποία χαρακτηρίζεται από τις ανατολικές επιρροές και την υποκίνηση των χρωμάτων μέσω των ήχων. Ο Ravel διατήρησε επίσης χαρακτηριστικά του εξπρεσιονισμού και του νεοκλασικισμού.

Αυτός ο μουσικός αναγνωρίζεται για πολλά έργα και ένα από τα πιο εκτελεστικά του κομμάτια είναι το Bolero, που πραγματοποιήθηκε στο Παρίσι το έτος 1928. από εκείνη την στιγμή η επιτυχία αυτής της σύνθεσης ήταν μαζική και καθολική. Η ορχηστρική του κίνηση εμπνέεται από τον ζεστό ισπανικό χορό, πολύ δημοφιλές εκείνη την εποχή.

Αναφορές

1. Block, C. (s.f) Ιστορία της αφηρημένης τέχνης (1900-1960). Ανακτήθηκε στις 27 Οκτωβρίου 2018 από το Πανεπιστήμιο ICESI: ftp.icesi.edu.co
2. Sempere, Ε. (S.f) Αφηρημένη τέχνη: γεωμετρία και κίνηση. Ανακτήθηκε στις 27 Οκτωβρίου 2018 από το Εθνικό Κέντρο Τέχνης Reina Sofía Μουσείο: museoreinasofia.es
3. Cardoza, L. (s.f) Απελευθερωτικός. Ανακτήθηκε στις 27 Οκτωβρίου 2018 από την Εφημερίδα της UNAM: revistadelauniversidad.unam
4. Mascarell, F. (2014) Ζωγραφική και αφαίρεση. Ανακτήθηκε στις 27 Οκτωβρίου 2018 από την Universidat Politécnica de Valencia: riunet.upv.es
5. Schapiro, Μ. (1937) Φύση της αφηρημένης τέχνης. Ανακτήθηκε στις 27 Οκτωβρίου 2018 από τον Timothy Quiggley: timothyquigley.ne